El teatro victoriano

         ¿Siempre habías querido saber más sobre el vestuario y atrezzo del teatro victoriano? ¿No? No pasa nada, aquí tienes un maravilloso prezi explicativo. Lo tiene todo, a Sexpir el bardo, medabots, mapas, el maincra y muchas cosas más. Próximamente aparecerá en el blog mi peor creación, mi último vídeo de catalán, una obra tan perturbadora y nefaria que fácilmente podría provocar que todos los involucrados en su creación fueran juzgados por crímenes contra la humanidad.

                 Link del presi aquí

Booktubeeeeeeeeeeee

Aquí está, al fin ha llegado. Contra todo pronóstico, contra viento y marea, Hoy os traigo, el vídeo sobre la trilogía de Edipo. La calidad es un poco chusquera, pero es que el blogger no me deja subir vídeos que pesen más de 100MB, así que esto es lo que hay

Entrada Bonus

           Y como bonus por aquí os dejo un enlace de la versión adaptada que hicimos del Quijote para la asignatura de lengua castellana y en la cual participé como director y guionista. Espero que os guste.  Me agradaría poner el vídeo ya directamente aquí, pero casi que no es posible porque está en privado y no tengo acceso a la cuenta en que está subido. Pero da igual porque podéis acceder pinchando aquí.

toma sprite reciclado, fijo que de este ya ni os acordabais.

La Divina Comedia y Miscelanea

        Es  solo cosa mía o esta es la última entrada sobre literatura medieval? ¡Pues será que sí! Y para colmo es sobre un tema que todavía no hemos dado en clase La Divina Comedia de Dante Alighieri. Por suerte soy un individuo increíblemente versado en la materia y que ha leído y revisado numerosas veces tan aclamada obra. En realidad es mentira, pero da la casualidad que mi madre se la está leyendo, así que eso que me llevo. Aún así mi conocimiento sobre el tema es relativamente escaso y mi madre solo va por el 20% del libro. Así que intentaré tirar por esos temas que nos pillan más de cerca, que en este caso y como de costumbre son su influencia y repercusión a lo largo de los siglos. ¡Vamoh a ello!

No cabe duda de que La Divina Comedia fue todo un éxito en su época, convirtiéndose en uno de los libros más importantes de la Edad Media y de la literatura en general. En este gran poema Dante Alighieri narra su viaje a través de los infiernos (aunque realmente también pasa por el purgatorio y el paraíso, pero quedémonos con el infierno, que es la parte chula). A lo largo de este viaje Dante se va encontrando con numerosos personajes que habitan los diferentes círculos/niveles de las estancias que visita, estos personajes a menudo son figuras históricas conocidas. Esta obra por supuesto bebe de diferentes fuentes, entre ellas las vidas de los personajes anteriormente mentados, pero sobretodo del teocentrismo propio de la Edad Media, no obstante La Divina Comedia es considerada tan importante porque en cierto modo representa este paso del teocentrismo al antropocentrismo renacentista. Pues Dante explica, muestra y ejemplifica toda esta materia divina desde el punto de vista de un hombre normal y corriente. Además de que trata temas que jamás serían abordados por la Iglesia, estos conceptos van de lo explícita que puede ser su visión del infierno (hecho que da origen a la expresión “dantesco”) o su acercamiento al amor.

Pero algo muchísimo más importante que todo esto es la influencia que ha tenido a lo largo del tiempo, porque puede que no esté tan arraigada  en la cultura popular como lo está en mito artúrico, pero ostias (pausa para recordar que “ostia” sin “h” es sinónimo de ostra y no debería ser considerada una palabra malsonante) si no ha sido referenciada en incontables ocasiones ¡Pero si hasta tiene un videojuego! (Dante's Inferno)  ¡El cual viene con una maldita película de animación y todo! (bastante chula por cierto, pues es de esa época donde a un par de productoras les dio por mezclar cachos de diferentes estudios, tanto occidentales como orientales y aunque la trama sea un poco una chusta la animación mola). Los conceptos que aparecen en La Divina Comedia (los nueve círculos del infierno serían un ejemplo de esto) no solo han sido referenciados y adoptados por otros muchos autores, sino que además su narrativa ha impulsado la creación de una nueva palabra, el anteriormente mencionado adjetivo “dantesco”.

A parte de todo esto me gustaría hacer hincapié  en un aspecto particular de La Divina Comedia, su tema central (a falta de una mejor forma de describirlo), el descenso a los infiernos. Pues me he dado cuenta de que este es un tema poco explotado en proporción al increíble potencial que posee. Ya que una historia de descenso a los infiernos puede ofrecer la perspectiva única que tiene el autor de lo que debería conformar el infierno, nos enseña todo aquello que el autor considera malo, negativo o que debería ser castigado (en este caso de la peor de las maneras). Pues puede que el concepto de cielo e infierno se haya quedado un poco anticuado, pero tal vez una revisión de esta vieja historia nos ayudaría a adquirir una nueva perspectiva de como nuestra sociedad funciona y de lo que consideramos moral e inmoral. Además este descenso a los infiernos no tiene porque ser físico, puede ser el descenso al infierno personal del protagonista de una historia. Estando este en su cabeza o simplemente siendo una metáfora de caer todo lo bajo posible, experimentar de primera mano aquello que vemos con más temor o que más nos repudia.

En resumen, La Divina Comedia es una obra que causó gran revuelo en su época y cuya influencia se extiende hasta nuestros días. No sabría decir si la magnun opus de Dante Alighieri, es una obra atemporal, pero sí me atreveré a afirmar que su idea principal es un concepto que debería ser revisado cada cierto tiempo. Nos vemos en la próxima. 

La influencia de la Materia de Bretaña a lo largo de los siglos

Hey, buenas. Hoy hablaremos de la Materia de Bretaña, más en concreto de su repercusión a lo largo de los siglos. Pues no miento cuando digo que este conjunto de obras conforman una de las historias más influyentes que se han escrito jamás. En la entrada de hoy apreciaremos las diferentes visiones que se han tenido del mito Artúrico a lo largo de la historia y como este ejerce aún a día de hoy una influencia en nuestra cultura y en las obras que consumimos a diario.

Antes de empezar debemos aclarar qué es exactamente la Materia de Bretaña. Pues esta es la forma como se denomina al conjunto de obras que tratan/componen la leyenda del Rey Arturo. La materia de Bretaña engloba una gran variedad de textos, desde textos supuestamente “históricos” hasta poemas, cuentos, mitos, poemas épicos, etc. Las primeras obras escritas que componen esta materia datan de tiempos remotos (siglo X, aprox) y se tratan en su mayoría de los anteriormente mentados textos pseudo-históricos, estos supondrían un completo boom literario y serían traducidos a otros idiomas (entre ellos el francés). A raíz de la enorme popularidad que estaba adquiriendo la figura del Rey Arturo, empezaron a aparecer numerosas historias fantásticas protagonizadas por este personaje. Con el tiempo el mito se fue asentando y comenzaron a aparecer personajes, localizaciones y eventos comunes en todos lo mitos (Excalibur, La Dama del Lago, Camelot, Avalon, etc). No obstante no sería hasta la llegada de Chretien de Troyes y su cristianización del mito Artúrico que esta obra se convirtió en la historia que conocemos de hoy en día. Chretien convirtió a Arturo en el caballero cristiano perfecto, lo que supondría una fuente de inspiración para infinidad de obras a lo largo de la edad media; modificó el número de caballeros de la corte de Camelot (la mesa redonda), para que fueran doce, al igual que los apóstoles y les dio un objetivo puramente cristiano, encontrar el Santo Grial, lo cual a pesar de estar en Bretaña, una localización bastante improbable para el mismo, tiene mucho sentido debido a la fiebre por las reliquias que había en la Edad Media.

La influencia que tuvieron estas obras en su época fue inaudita, pues la Materia de Bretaña supone la mayor fuente de inspiración de el género literario que dominó la Edad Media, las novelas de caballerías. No es ningún secreto que obras como Amadís de Gaula y otros textos que impulsaron el género beben directamente de la leyenda artúrica. Además ya incluso dentro de la propia Edad Media el mito de Arturo ya fue reinventado, con historias como La muerte de Arturo que exploraron al personaje desde puntos de vista nunca antes vistos, esto por no mencionar al ya de sobras conocido Quijote de Cervantes, que satirizó y ofreció una nueva perspectiva al mito del caballero andante.

Pero la cosa no acaba aquí, la leyenda del Rey Arturo ha perdurado a lo largo de los años y su influencia se puede observar incluso a día de hoy, aunque como es comprensible actualmente se aborda de forma ligeramente distinta. Para demostrar este punto me he tomado la libertad de dividir las obras actuales que se relacionan directamente con la Materia de Bretaña en tres tipos:

-Retellings: estos son aquellas obras que se limitan a volver a contar la historia del Rey Arturo, la mayoría de las veces adaptándola a un nuevo medio, como podría ser el cine. Un ejemplo de esto serían la película de animación de Disney o las diversas adaptaciones cinematográfica que se han hecho. Estas historias se intentan mantener más o menos fieles al mito original, tal vez ofreciendo un punto de vista alternativo o profundizando en aspectos poco explorados anteriormente, pero siempre ciñéndose al material original.

-Con elementos o inspiradas en algunos aspectos: este es el caso de obras que pueden o no tener que ver con la Materia de Bretaña, pero que contienen elementos que proceden de esta. Algunos ejemplos podrían ser la tercera parte de la saga de Indiana Jones donde aparece el famoso Santo Grial, tan codiciado por lo caballeros de Camelot u otro ejemplo sería la genial King's man (película que si bien admito no es para todo el mundo, yo como amante del género de espías disfruté infinitamente. Además tiene una de las mejores escenas de acción de la historia) donde los diferentes miembros de la agencia secreta de espionaje británica que da nombre al largometraje poseen los nombres de los diferentes caballeros de la mesa cuadrada.

-Parodias: bueno, creo que el nombre de esta sección explica bastante su contenido. Aquí se engloban todas aquellas obras que satirizan el mito artúrico. Posiblemente el mejor ejemplo sería la famosa película de los Monty pythons, dónde se ridiculiza hasta el extremo la tan famosa leyenda mediante una consecución de sketches totalmente irreverentes. Pero también se podrían considerar en esta categoría aquellas obras que como ya he mencionado anteriormente, exploran el mito desde un punto de vista distinto, a menudo poniendo en evidencia al mismo.

Espero que con esto os haya podido demostrar la gran importancia que tiene la Materia de Bretaña, aún después de haber pasado tantísimos años. Y además he podido hablar de King's man, lo cual siempre es positivo (impaciente por la segunda parte. Algún día me leo el cómic). Buenas noches.

Petrarca VS J.Quevedo

          Bueno, bueno, parece que a fin ha llegado la hora. Hace ya un tiempo que evito esta entrada, pero parece que va tocando acabar con esto de una vez por todas. Sep, muy a mi pesar toca hablar de Petrarca. Y si bien no tengo nada personal en contra suyo, como os podéis imaginar lo que es conocerle en persona poco, he de admitir que la idealización del amor siempre ha sido uno de mis mayores enemigos. Y claro siendo este el tema principal de Petrarca y todos aquellos que siguieron sus pasos (los llamados espartaquistas) como no íbamos a llevarnos mal. Pero habiendo hecho esta pequeña introducción, es hora de que entremos en materia, de que comience este mano a mano, cara a cara, duelo sin cuartel. Demos comienzo a este J.Quevedo VS Petrarca.

Como ya va siendo habitual, comenzaremos presentando a los concursantes, en este caso Francesco Petrarca, poeta italiano de siglo XIV que impulsó una de las corrientes literarias que marcarían más los siglos posteriores, el espartaquismo. Para Petrarca y los espartaquistas solo había una cosa más importante que Alemania y el comunismo, el amor. Pero en este caso un amor peculiar, el amor platónico. Concebían el amor como algo abstracto y retomaron esa idealización de la amada tan propia del amor cortés provenzal (género del que mira tú que sorpresa tampoco soy especialmente fan). Sus obras a menudo se trataban de cancioneros compuestos por sonetos amorosos, que narraban como este anteriormente mencionado amor platónico se transformaba de un amor sensual a uno de carácter casi (a veces ni casi) espiritual. Las fuentes de las que bebe Petrarca y su influencia en el tiempo, prácticamente no hace ni falta que sean comentadas, pues como ya he dicho su inspiración provenzal salta a la vista y de no haber sido por él, muy posiblemente no hubiera sido el soneto, el tipo de estrofa que hubiera dominado el siglo de oro español.

Los que mejor me conozcan, con tan solo leer esta definición ya se deberían de empezar a oler porque tengo esta reticencia hacia Petrarca y su movimiento, pero lo explicaré para aquellos que no se lo hayan visto venir. La cosa es simple, empieza por la idea del amor platónico e idealizado, pues puede que sea debido a mi obsesión por analizar y objetivizar los sentimientos humanos, pero me cuesta ver el amor como una entidad abstracta y no como la suma de un enorme número de situaciones, patrones de conducta y afinidades personales. Que le voy a hacer, soy de los que piensan que todas las cosas tiene un porqué, incluso el amor (siendo esa una de las razones que me impide disfrutar de películas como podrían ser La Princesa Mononoke). Y esta idea nos lleva al segundo punto en el que discrepo con las premisas de Petrarca. No soporto la idealización del amor, las cosas perfectas me rechinan, más cuando es el amor. Son las imperfecciones las que nos hacen humanos y opino que hacerlas desaparecer no hace más que quitarle matices a un sentimiento tan bonito como es el amor.

en serio, revisualizarla después de tantos años fue una de las mayores decepciones de mi vida

No obstante, no hay que tomarse esta entrada como una invitación a no disfrutar de la poesía espartaquista. Aquí no estoy más que compartiendo mis opiniones en un aspecto concreto de estas obras. Por eso no he comentado la sensación de evasión que puede transmitirnos estos ambientes perfectos, de como a veces centrarse en tan solo lo bueno puede ayudarnos a convivir mejor con estas imperfecciones que he mencionado antes o de como el soneto le da una sonoridad especial a esta clase de composiciones líricas. Con esto lo que quiero decir es que cada uno tiene derecho a disfrutar del arte (y sobretodo del amor) como prefiera y expresar su opiniones al respecto, pues esta subjetividad es precisamente lo que hace grande al arte.

Esta entrada me ha quedado un poco corta, pero la verdad es que tampoco tenía mucho que decir al respecto más allá de expresar mi opinión al respecto. También espero que esta brevedad haya servido para compensar la extensión de las entradas que acompañan a esta. Dicho esto, espero que os haya gustado y que vosotros también tengáis una opinión al respecto. 

Firefly y la predestinación a la derrota

Los finales trágicos son una de las principales características de las tragedias clásicas. No obstante esta no es una práctica exclusiva de este tipo de historias, por eso hoy hablaremos de Firefly (la serie de ciencia-ficción del 2002 que pasó a convertirse en serie de culto tras su cancelación con tan solo 14 episodios) y más en concreto de la “predestinación a la derrota”. Además esta será la última entrada que aborde directamente el teatro clásico, así que ya sabéis, disfrutad mientras dure.

Me gusta llamar “predestinación a la derrota” al hecho de que antes del final de la obra (y si es posible ya desde el principio) el espectador es consciente de que los personajes fracasarán en su enmienda y el final será trágico. Esto ya ocurría en el teatro griego, pues tú no ibas a ver una tragedia esperando un final feliz y es una práctica que se conserva aún a día de hoy, pues si bien a menudo se intentan usar los finales trágicos como sorpresa, no se puede negar que es relativamente fácil predecir cuando una obra va acabar mal. Además muchos autores han usado estos finales menos convencionales como marca personal, un ejemplo de esto sería el ahora muy popular Quentin Tarantino, cuyas películas a menudo acaban con gigantescos baños de sangre. Independientemente del tipo de  historia en el que se encuentren, existen personajes que están destinados a fracasar (cómo es el caso de los ya mentados en otra entrada, héroes trágicos) y es tarea del autor jugar con este hecho para conseguir entretener de una forma diferente al espectador. Pues un personaje extremadamente pesimista, cuyo destino es altamente predecible si no es usado debidamente puede resultar tedioso, por lo tanto el autor debe intentar infundir en el público una chispa de esperanza, una posibilidad de que este personaje logre lo imposible, hacer creer que este a superado su condición de personaje trágico o enseñar como a pesar de saber que no tener ninguna oportunidad, él sigue luchando y dándolo todo por una causa perdida, haciendo que sea el propio personaje quien infunda esperanza en el espectador. Obviamente además de estos casos existen otras muchas formas de trabajar con esta “predestinación a la derrota”, pero hoy de todas estas nos centraremos en como lo hace Firefly.

no podía existir gift más oportuno

Bueno, aquí viene la parte donde justifico porque he escogido Firefly y no cualquier otra obra con personajes trágicos. Fácil, la primera razón de todas es porque Movies with Mikey (canal del que caerá una recomendación en el próximo bloque de entradas sí o también) tiene una review absolutamente maravillosa de Serenity (la película de Firefly, ya hablaremos de ella un poco más adelante) la cual me inspiró para escribir esta entrada. Además Firefly es una de mis series de ciencia ficción favoritas y sentí que si no hablaba ahora de ella no tendría otra oportunidad para hacerlo. Por último me gustaría aclarar que sí que barajé algunas otras opciones como Cowboy bebop (mira tú por donde otra de mis series sci-fi favoritas, quién lo diría), pero al final me decante por la obra de Joss Whedon, por los temas que me permitía explorar y por lo injustamente infravalorada que está. Además Cowboy bebop es una de esas obras que para analizarla hay que cogerla con pinzas y darle de comer a parte.

Firefly ya desde el principio (y no sé porque sobretodo en su principio) es una obra que se esfuerza en desafiar, destruir y tumbar expectativas y tropos. Por eso su genialísimo primer episodio empieza como empieza, en esa memorable primera escena (aunque a día de hoy ya se haya quedado un poco bastante anticuada) se nos enseña como lo protagonistas de las serie pertenecen a un grupo de guerrilleros rebeldes que se enfrentan al “malvado” imperio que domina toda la galaxia. Pero como ya he dicho antes, esta es una obra que va de romper con los clichés, así que en la primera escena, del primer episodio vemos como esta rebelión de la que fueron partícipes los protagonistas es brutalmente aplastada. Y así da comienzo la serie, enseñándonos que esta vez ni siquiera estamos del bando de los que van perdiendo, sino del de los que ya hace mucho que perdieron. Y si bien la serie no es precisamente trágica, ni su tono pesimista, nos está constantemente recordando este hecho, nuestros protagonistas no son más que los restos de una causa perdida. Esto se puede ver en el nombre que el mismo Malcom Reynolds (personaje principal de la serie y capitán de la nave de los protagonistas) le pone a la nave en la que viajan, Sereniy, el mismo nombre que el campo de batalla donde la rebelión fue finalmente derrotada. Y que para colmo también es el nombre que recibe la película que se hizo un par de años después de la cancelación de la serie, la cual explora la idea de la “predestinación a la derrota” desde perspectivas que incluso van más allá de la diégesis. Pues tanto los guionistas como los espectadores son conscientes de que esta película será lo último que verán del universo de Firefly y que por lo tanto le puede ocurrir lo que sea a sus personajes. (Spoilers incoming) Esta idea se ve elevada a su máximo exponente en aquel momento cerca del final de Serenity donde ya han muerto varios miembros cruciales de la tripulación y los restantes están malheridos y completamente rodeados. Es en ese momento y no otro en el que el espectador recuerda todo lo que ha vivido con estos personajes y no puede hacer otra cosa que esperarse lo peor. Y si bien no estoy del todo de acuerdo con el desenlace de esa escena he de admitir que pocos momentos me han hecho saltar de mi asiento como aquel instante (alerta spoiler) en que Simon es disparado, sale volando seis metros hacia atrás, hace un kick-back-flip invertido de espaldas y cae espatarrao. Bueno, en realidad no es para tanto, solo sale un poco disparado. La cosa es que el momento es tenso como él solo.

Y estas son precisamente el tipo de cosas que hacen tan maravillosa Firefly. Muy a mi pesar y como siempre, sé que me dejo muchas cosas en el tintero, pero sinceramente esta es una de esas obras de las que podía estar hablando durante tal vez demasiado tiempo. Espero que hayáis disfrutado de las entradas sobre el teatro clásico y en nada nos vemos con la continuación de la literatura medieval. 

PD: al hablar en esta entrada de Cowboy bebop me han entrado ganas de dedicarle a esta estupenda serie le ratito de gloria que se merece, pero mucho me temo no estar a la altura, así que por ahora lo dejaremos en stand-by. Dicho esto (recordad, al menos tiene que haber un “dicho esto” por entrada) nos vemos dentro de poco.

Dr.Who y la figura del héroe trágico

       Edipo es para muchos el héroe trágico por antonomasia, pues no solo posee todas las características de dicho arquetipo de personaje, sino que además ha servido como modelo e inspiración para numerosos autores a lo largo de los siglos. No obstante, cuando tengo que poner un ejemplo de héroe trágico o simplemente pienso en este tan interesante tipo de personaje, nunca es Edipo quien me viene primero a la mente. El personaje en el que siempre pienso primero, es ni más ni menos que (como ya ha spoileado el título) El Doctor, de la famosa serie británica Doctor Who. Y esto se podría deber únicamente a mi amor por la serie (una de mis favoritas), pero aún así me gustaría defender mi punto. Ahora que las presentaciones están hechas, podemos pasar con, “El Doctor, el héroe trágico definitivo”:

Pongo aquí esta foto de Oldboy, porque buscando imágenes de héroes trágicos me he encontrado con esta y me he dado cuenta de lo fácil que hubiera sido poner esta peli/cómic de ejemplo en lugar del Doctor

Pero, antes de poder hablar del Doctor, es necesario dejar claro cuales son los elementos que definen al héroe trágico. Este tipo de héroe es aquel que sin ningún tipo de habilidades divinas o sobrenaturales consigue realizar hazañas que serían imposibles para casi cualquier otra persona. Un ejemplo de esto sería Edipo resolviendo el acertijo de la esfinge o como en cada episodio El Doctor, usando su intelecto descubre una forma de salvar la situación. No obstante, lo que diferencia a estos personajes del resto de arquetipos heroicos es que los héroes trágicos están constantemente perseguidos por un destino fatal, del que da igual lo que hagan, jamás podrán escapar. Estos personajes luchan contra lo inevitable y hacen todo cuanto está es sus manos para evitar acabar en desgracia, no obstante su destino ya está escrito y da igual cuanto consigan retrasarlo su fatídico final acabará alcanzándoles.  
Y ahora es cuando viene lo bueno, “¿Por qué El Doctor encaja tan bien en esta definición?”. Para contestar debidamente a esta pregunta será necesario dividir la respuesta en dos partes. En la primera abordaremos el aspecto más heroico del héroe trágico y por supuesto del Doctor y en la segunda nos centraremos más en el aspecto, por redundante que suene, trágico. Pero comencemos por el principio, El Doctor es un héroe, si duda, está constantemente salvando vidas y arreglando problemas a lo largo y ancho del espacio tiempo, pero la clave está en cómo lo hace. Pues a pesar de ser un señor del tiempo y poseer la T.A.R.D.I.S. (su famosa máquina del tiempo camuflada de cabina telefónica) aquello que siempre le permite salvar el día es su intelecto y nada más. Ya que su condición de alienígena le proporciona poco más que dos corazones y una memoria superior (más la capacidad de reencarnación de la hablaremos más adelante) y su única arma es un destornillador. Al final siempre es su astucia la que tiene la última palabra. El Doctor será el ser más inteligente y temido de todo el espacio tiempo, pero en el fondo apenas hay cosas que lo separen del resto de mortales y eso es lo que lo hace un personaje tan especial.

Por otra parte existen pocos personajes más trágicos que El Doctor, por una sencilla razón, es prácticamente inmortal. Cada vez que muere, si El Doctor está cerca de su T.A.R.D.I.S. puede absorber energía de la misma y regenerarse en un nuevo cuerpo y con una nueva personalidad, pero conservando sus recuerdos. Y esto, que en un principio podría parecer  un don sin igual y que en muchos casos lo es, también es el aspecto que convierte al Doctor en un héroe trágico. Pues él es un ser casi inmortal en universo donde nada dura para siempre. Para empezar está condenado a ver morir o simplemente a separarse de todas aquellas personas a las que quiere. Eso se ve reflejado en sus acompañantes, El Doctor está atrapado en un eterno dilema del erizo, pues necesita viajar en compañía, pero a su vez sabe que se acabará viendo obligado a separase de todo aquel que vaya con él. El Doctor y el espectador inevitablemente se acaban encariñando de todas y cada un de las acompañantes haciendo la separación todavía más demoledora. 

A este aspecto trágico del Doctor hay que añadirle dos elementos más. El primero es que a pesar de que El Doctor siempre actúa para bien y su objetivo es salvar vidas, pero el tiempo tiene unas reglas y hay eventos que no pueden ser cambiados. Haciendo que por mucho que le duela, El Doctor no puede volver al pasado y salvar a sus ayudantes de la muerte o evitar la guerra del tiempo. La segunda, última y posiblemente más importante razón por la que El Doctor es para mí, el héroe trágico definitivo, es que su destino ya está sellado. Pues El Doctor ha visto su propia tumba, en medio del enorme campo de batalla que fue o será “Trenzalore”, sabe que tarde o pronto llegará su hora, que dejará de existir un Doctor para proteger a aquellos que lo necesitan, para aparecer en el momento menos esperado y salvar el día. Y no solo eso, pues si se diera el caso de que su tumba en “Trenzalore” no fuera más que un engaño o de que como hace siempre descubriera un forma de burlar una vez más su propia muerte, El Doctor es consciente del evento conocido como “El final del tiempo”, que es aquel momento donde todo se acaba, el final de la vida y de todo lo conocido y por supuesto, el final del Doctor. Pues como ya he dicho al principio de la entrada, no hay sitio para un ser inmortal en un universo donde todo se acaba.

Bueno chabules y hasta aquí la entrada, espero que haya sido de su agrado. He intentado tener en cuenta los factores más importantes, aunque esto supusiera dejarme en el tintero ideas como las crisis de identidad del Doctor y como Clara Oswald o River Song, rechazan a la encarnación de Capaldi o tal vez indagar un poco más el tema principal de la serie, que todo se acaba. Pero aún así estoy bastante contento con el resultado, muchas gracias por vuestra atención y hasta la próxima.

Recomendación...Creo...Supongo...: "You Suck At Cooking"

                Antes de empezar es necesario aclarar que esta es la primera de una serie de entradas sobre el teatro griego. Las siguientes de esta categoría irán apareciendo, bueno, originalmente había puesto "entre hoy y el martes", pero como estamos a miércoles y se ve que me he retrasado escribiendo esto más de lo que tenia planeado lo dejaremos en un "pronto". Dicho esto, me hacía ilusión empezar con algo ligerito, más en concreto me hacía ilusión hablar de la comedia griega. Pero para mi desgracia, este es un tema que apenas hemos tratado y del que tampoco se puede hablar en exceso. No obstante, no he tirado la toalla y he intentado buscar un tema que al menos tuviera una mínima relación. Y tras pensar un largo rato, he llegado a una conclusión ¿Cuáles son los dos elementos más característicos de las comedias griegas? Fácil, eran cotidianas y eran cómicas. Y esto me lleva a: "a parte de dormir y cagar ¿Hay algo más cotidiano que comer?" y "a a parte de otro montón de cosas ¿Hay algo más cómico que You suck at cooking?" Por lo tanto hoy recomiendo... creo... supongo...: You suck at cooking el posiblemente mejor canal de yutub hasta la fecha.

         You suck at cooking es un canal de breves tutoriales de cocina. Pero de estos hay a montones, lo que verdaderamente diferencia YSAC es el increíble nivel de cuidado que pone en absolutamente todos sus vídeos. En serio, puede parecer que esto lo digo porque simplemente me gusta, pero nada más lejos de la realidad. Ni tiene ningún vídeo que pueda ser considerado ni siquiera "de menor calidad" que los demás. Cada uno de ellos es una pequeña obra de arte, en la que se ha puesto un nivel de mimo y de atención al detalle impresionante.

        El milagro de YSAC reside en su capacidad para convertir en oro absolutamente todo lo que toca. Pues sus vídeos a pesar de ir todos de cocina son sorprendentemente variados sin alterar su formato. Y todo lo que hace lo hace bien. Sus recetas se suelen mantener simples, para que todo el mundo pueda probarlas, pero siempre parecen deliciosas; siempre es gracioso, todas sus bromas funcionan y aunque muchos de sus chistes ya se han convertido en un elemento estable de sus vídeos, sigue encontrando la forma de innovar, darle un giro a la fórmula o simplemente pillarte cuando menos te lo esperas. Toda la música del canal (que tiene bastante, si te paras a comparar) está compuesta por él y no solo eso, sino que además algunos de los vídeos son tutoriales musicales. Es decir, canciones compuestas desde cero solo para explicarte una receta en concreto. ¡Joder, si hasta tiene un thriller policíaco protagonizado por huevos disperso entre algunos de sus vídeos! ¡Y es genial!

Sep, lo del thriller iba en serio

         
       En resumen You suck at cooking es la maravilla de la ingeniería moderna que nadie pedía, ni sabía que quería, pero que todo el mundo ha resultado adorar. Dicho esto me despido y espero veros en la próxima entrada, la cual esperemos que sea ligeramente más seria y relacionado con la literatura.

Reto Quincenal Edipo King- El saber y los clásicos literarios

                Para entender la forma que tiene Edipo King de abordar el saber, es necesario analizar la relación entre dos de sus personajes Edipo (el protagonista) y Tirésias (el oráculo). Pues cada uno tiene una forma de ver la realidad diferentes. En el caso Edipo, al ser este un simple mortal, su saber y por lo tanto su forma de ver la "verdad" se basan en los hechos. Mientras que Tirésias, al estar en contacto con los dioses, tiene acceso a una dimensión superior del saber. Para él los hechos no son suficientes, en parte por eso se le representa ciego. 

                 Al empezar la obra parece que es Edipo quien posee el saber. Se informa al espectador de que es un individuo de gran intelecto (pues resolvió el enigma de la esfinge) y además las evidencias le respaldan. Es un buen rey y su objetivo al principio es el más justo de todos, quiere liberar la ciudad de la peste y encontrar al asesino del anterior rey. Es feliz siendo ignorante. 

                    No es hasta que se encuentra con Tirésias, el único que SABE verdaderamente que está ocurriendo. Que Edipo peca de orgullo, al tachar de mentiroso a Tirésias se está creyendo mejor que los dioses. Y es ahí donde comienza su transformación como personaje, se toma las acusaciones como algo personal, deja de actuar para el pueblo y empieza a actuar para si mismo. Se vuelve rabioso y desconfiando, pero aún más importante, su ignorancia sale a la luz. Edipo el que se había jactado de su saber ante Tirésias, diciendo que este era un mentiroso y un traidor, es arrastrado hasta la más absoluta ruina por culpa de su ignorancia y orgullo. Mientras que el Oráculo, el cual había ocultado su conocimiento al principio para no herir a nadie resulta ser quien estaba en lo cierto desde el principio. 

                               

                   Por último abordaremos el tema "¿Qué es un clásico?" Después de indagar un poco, la primera conclusión que he sacado es que no existe nada que sea un clásico. No es más que una forma que tiene la gente de llamar a aquellas obras antiguas que les gustan y creen que todo el mundo debería leer. Pues se han dado numerosas definiciones de clásico y si bien la mayoría tienen muchas cosas en común, ningunas coinciden. Todo esto sin contar que el arte es subjetivo y aquella obra que a alguien le pueda parecer maravillosa otro la puede aborrecer. Algunas definiciones hablan de obras que "todavía tienen algo que contar" o "se mantienen contemporáneas", pero ninguna de estas ideas me convencía ¿Acaso hay algún libro que pierda su sentido con el tiempo? ¿Por qué tiene que se contemporáneo, no es el hecho de que este escrito en otra época parte de la gracia de que sea un clásico? Cuando le pregunté, mi madre afirmó que un clásico es aquel libro con tanta relevancia que marca un cambio. No podría estar más en desacuerdo con esta idea, pues no solo excluye a un enorme número de obras que son consideradas por casi todo el mundo como clásicos, sino que además no responde a preguntas como ¿Quién debería leer un clásico? o ¿Por qué sigue siendo importante?

             Así que mantuve mi posición hasta que después de lanzar le esta pregunta de forma totalmente fortuita a uno de mis familiares, él me contestara esto: "es una obra que debería haber pasado de moda hace tiempo, pero que por cualquier razón no es así". Esta definición que en un principio pude parecer vaga, en el momento en el que me paré un segundo a analizarla me voló la cabeza. Pues si bien abraza la subjetividad, lo cual como ya he dicho es absolutamente necesario porque no hay otra forma de abordar el arte. También ofrece un punto de referencia para todos, que son las modas. Subjetivo pero universal al mismo tiempo. La definición da una explicación porqué algo es un clásico más allá de lo que lo hace serlo. Pues según las otras definiciones alguien podría no entender lo que quiere decir una texto, haciendo que esta no sea un clásico para él, independientemente de la obra como tal. Mientras que el otro caso son las cualidades de la obra lo que la hacen destacar. Es decir esta puede no pasar de moda por su originalidad, calidad, etc. Por último, cabe destacar que esta definición, a diferencia de otras no dice que una obra no pueda dejar de ser un clásico, pues los tiempo cambian, los textos se terminan olvidando y sobretodo nada dura para siempre. Ser un clásico es un carrera de fondo en la que no existe ninguna meta, algunos se van perdiendo por el camino, otros se unen a la carrera. 

                  Dicho esto dicho todo, buenas noches.

                              

"Hurt" de Johnny Cash y los tópicos literarios

La vida está sobrevalorada. El mundo es un pozo de dolor sin fondo. Después de la muerte no nos espera más que el vacío y sufrimiento infinito. Quién es el docto? Era Stalin tan malo como dicen? De que va "The end of Evangelion"? 

I hurt myself today 
To see if I still feel 
I focus on the pain 
The only thing that's real 
The needle tears a hole
The old familiar sting 
Try to kill it all away 
But I remember everything
What have I become 
My sweetest friend 
Everyone I know goes away 
In the end 
And you could have it all 
My empire of dirt 
I will let you down 
I will make you hurt
I wear this crown of thorns 
Upon my liar's chair 
Full of broken thoughts 
I cannot repair 
Beneath the stains of time 
The feelings disappear 
You are someone else 
I am still right here
What have I become 
My sweetest friend 
Everyone I know goes away 
In the end 
And you could have it all 
My empire of dirt 
I will let you down 
I will make you hurt
If I could start again 
A million miles away 
I would keep myself 

I would find a way

                Hola y bienvenidos a una nueva edición de "Jaume habla de cosas medio serias sin tener ni idea de nada" hoy como ya habréis podido ver, hablaremos de Hurt (la versión de Johnny Cash, siendo este dato totalmente irrelevante porque la letra de la versión de "Nine Inch Nails" no cambia nada. Aún así, tened en cuenta que es la de Johnny, es mejor). Y de tópicos literarios. Aquí es donde podría perder un montón de tiempo explicando que son los tópicos, cuantos hay, etc. Pero gracias al poder de internet y a que ese no es el tema principal de la entrada, simplemente voy a dejar por aquí una serie de enlaces explicativos, donde seguro que encontraréis información mucho más detallada de la que yo podría proporcionar (Explicación detallada de los tópicos y su evolución, más algunos ejemplos ,  Listado de los tópicos ,  Este es un power point súper curro). Hecha esta pequeña introducción, vamoh' al asunto.

                 Cuando pienso en Hurt el primer adjetivo que se me viene a la cabeza es "melancólica". Es una canción sobre la muerte, posiblemente la bipolaridad, pero sobretodo sobre el paso del tiempo. De como este nos cambia a nosotros y a todo lo que nos rodea. Temas que como ya sabréis son más que recurrentes entre los tópicos. Es decir, que cuando nos ponemos a analizarla nos damos cuenta de que Hurt cuenta con la mayoría de tópicos que hablan sobre lo efímera que es la vida, la poca importancia de lo material, etc. A mi me gustaría destacar estos:

         -Sic transiit gloria mundi: en estrofas como "You could have it all, my empire of dirt" se comenta lo pasajeras que son la fama y la fortuna. Las cuales, si en algún momento llegan a tener algún valor lo perderán con el tiempo. Pues da igual como de grande fuera su imperio, ya que en el fondo estaba hecho de tierra y mugre. Esta frase se repite varias veces a lo largo de la canción Johnny la usa para decirle a su "amigo" (muy posiblemente su segunda personalidad), que se puede quedar con todo lo que tiene (su fama, dinero, etc) que en el fondo da igual, porque no tiene ningún valor, todavía menos ahora que todos a los que amaba se han ido.

         -Fugit irreparable tempus y Ruit hora: son perfectos para ilustrar esos momentos en los que la canción habla del paso del tiempo. De como este ha afectado al personaje principal de forma irreparable "What I have become?..." y sobretodo de como ha cambiado todo lo que le rodeaba. Todo el mundo acaba muriendo "Everyone I know goes away, In the end..." y aunque uno intente aferrarse a un pasado que cree mejor "I remember everything" el tiempo nunca se para y sus daños son unos que no se pueden reparar.

             -La identidad: este no está definido por una frase en latín tal vez no sea un tópico literario como tal, como podéis ver no aparece en ninguna de las listas. Pero sin duda cumple la definición de tópico y ha sido usado repetidamente desde la antigüedad "If I could start again, A million miles away, I would keep myself, I would find a way". Ademas Hurt también toca el tema de la doble identidad, el cual también podría ser un tópico por si mismo "Your are someone else, I'm still right here", pues también ha sido tratado en numerosas obras.

                  Hurt  es una canción muy simbólica, de la que estoy seguro que se pueden extraer otros muchos tópicos. No obstante he preferido quedarme con estos, porque creo que son los que mejor ilustran el tono y significado de la canción. Y para acabar de forma un poco más alegre os dejo por aquí el mejor cover jamás hecho de la canción (después del de Johnny, por supuesto). Hurt de Jon Tsundere: